Diario sentimental. Entre el amor y el desamor

Nos hemos acostumbrado desde hace años a la presencia de Olivia Rodrigo, especialmente quienes siguieron sus primeros pasos como actriz dentro de la factoría Disney. Sin embargo, su consolidación como una de las artistas más relevantes de su generación llegó a través de la música. Debutó discográficamente con Sour (2021), una colección de canciones marcadas por el desamor adolescente –el álbum fue compuesto cuando apenas tenía 17 años– que conectó de inmediato con millones de oyentes y la situó en el primer plano de la industria musical. Dos años después confirmó que aquel éxito no había sido fruto de la casualidad con Guts (2023), un trabajo más ambicioso y maduro que reforzó su personalidad artística.

Desde entonces, su carrera ha avanzado a una velocidad vertiginosa: dos giras mundiales, numerosos premios, un álbum en directo que documenta su última gira y una actividad constante que la ha convertido en una figura omnipresente dentro del panorama pop contemporáneo.

Y, sin embargo, conviene recordar que Olivia Rodrigo tiene solo 23 años. Quizá por ello uno de los aspectos más destacables de su trayectoria sea la evolución que ha mostrado en un periodo de tiempo relativamente breve. Sin abandonar los temas que han definido buena parte de su repertorio –las relaciones sentimentales, el desamor y las inquietudes propias de su generación–, cada nuevo paso evidencia una mayor seguridad compositiva y una mirada más compleja sobre esas mismas experiencias.

Ahora llega su tercer álbum, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love. La propia artista ha explicado que el disco se inspira en la relación que mantuvo con el actor Louis Partridge y en el recorrido emocional que supone pasar de creer haber encontrado el amor definitivo a asumir, gradualmente, el final de esa historia. Así, el álbum se convierte en una radiografía de las distintas etapas de ese proceso sentimental. Concebido inicialmente como el testimonio de una experiencia amorosa plena y positiva, el proyecto acabó reformulándose a medida que la relación se desmoronaba.

Al margen de que el disco tenga una lectura autoficcional en el que poder rastrear aquellos guiños que la cantante hace de su relación sentimental, el álbum como obra independiente elabora un discurso que transita desde una concepción del amor cercana a la dependencia emocional hasta la toma de conciencia de que el amor, por sí solo, no puede curarlo todo.

El trabajo se articula en dos bloques claramente diferenciados. La primera mitad, Girl So in Love, comprende las siete canciones iniciales y captura la intensidad desbordante del enamoramiento. En ellas, el amor aparece como una fuerza capaz de absorberlo todo, un sentimiento a través del cual se interpreta la realidad y que, pese a las contradicciones que afloran, se impone gracias a una constante catarsis emocional.

Por el contrario, la segunda parte, You Seem Pretty Sad, que reúne el resto del repertorio, adopta un tono más introspectivo y reflexivo. A medida que avanza, la certeza inicial deja paso a la duda y a la progresiva aceptación de que quizá esa relación no estaba destinada a perdurar. De este modo, el álbum completa su transformación en un recorrido por las luces y sombras de la experiencia amorosa, desde la euforia del vínculo hasta el desencanto de su posible final. que han marcado la carrera de la artista desde sus comienzos.

El álbum se abre con Drop Dead, el primer sencillo publicado, una canción luminosa que captura la intensidad casi irreflexiva del enamoramiento inmediato. La escena es sencilla: un bar y una persona capaz de otorgar un nuevo significado a una de sus canciones favoritas. Surge así el primer guiño a The Cure cuando canta: «You know all the words to Just Like Heaven / And I know why he wrote them / Now that you’re standing right here» («Te sabes toda la letra de Just Like Heaven / Y sé por qué él la escribió / Ahora que estás aquí frente a mí»).

Ese optimismo atraviesa todo el tema, construido alrededor de una protagonista que se abandona por completo a la euforia del enamoramiento: «The most alive I’ve ever been / But kiss me and I might / Kiss me and I might / Kiss me and I might drop dead» («Nunca me había sentido tan viva / Pero bésame y puede que… / Bésame y puede que… / Bésame y puede que muera»).

Con el protagonismo inicial del piano, Stupid Song se erige como uno de esos temas de crecimiento progresivo que terminan adquiriendo dimensión de himno a medida que se incorporan el resto de instrumentos. La canción funciona como la continuación natural del enamoramiento retratado en Drop Dead: un estado emocional en el que cualquier pensamiento acaba remitiendo a la persona amada, rozando incluso la obsesión. «I’m a car speeding down the boulevard without a brake / And I want you more than any stupid song could ever say» («Soy un coche que va a toda velocidad por el bulevar, sin frenos / Y te deseo más de lo que cualquier canción estúpida podría expresar»), canta Olivia Rodrigo, recurriendo a imágenes de impulso y pérdida de control para transmitir la intensidad de sus sentimientos.

La misma idealización atraviesa Honeybee, una balada que parte de un delicado acompañamiento de piano y va incorporando cuerdas y coros hasta alcanzar un tono casi solemne. Aquí el amor ya no se presenta como una fuerza arrolladora, sino como un refugio del que no se desea escapar. «And I hope I never see what your face looks like going / A face I swear that I could spend my whole life knowing / Here’s to hoping» («Y espero nunca ver cómo se ve tu rostro cuando te vas / Un rostro que juro que podría pasar toda mi vida descubriendo / Brindo por esa esperanza»).

Maggots for Brains devuelve al álbum a las coordenadas sonoras de los años ochenta y noventa, con unas guitarras que bien podrían haber salido del repertorio de Robert Smith. Sin embargo, bajo esa apariencia luminosa se esconde uno de los primeros momentos de vulnerabilidad emocional del disco. Olivia Rodrigo explora la sensación de vacío que surge cuando la persona amada no está presente: «I’m a sad shell of a woman and I’ve got maggots for brains / But that’s just a thing that happens when my / My baby goes away» («Soy el triste caparazón de una mujer, y tengo gusanos en lugar de cerebro / Pero eso es algo que solo pasa cuando mi amor se va»). El enamoramiento, presentado hasta ahora como una fuente de plenitud, revela también su dependencia emocional.

Con u+me=<3 el relato alcanza el punto culminante de la relación. La pareja se convierte en una unidad autosuficiente y el amor adquiere una dimensión absoluta, casi ingenua en su optimismo. «You plus me equals a heart forever (forever and ever and ever)» («Tú más yo es igual a un corazón para siempre [para siempre y para siempre y para siempre]»), repite la cantante, en una declaración que encapsula la fantasía de permanencia que atraviesa esta primera mitad del álbum. No faltan tampoco las promesas de futuro, desde la convicción de que no habrá nadie más hasta la evocación de sueños compartidos como el matrimonio (casarse a los 25 años).

Pero incluso en medio de esa euforia aparece una amenaza externa. My Way introduce la figura de la tercera persona que irrumpe en la relación. Es la canción en la que aflora el instinto de posesión y la necesidad de defender un espacio sentimental que se percibe como propio. la defensa del territorio queda explicitada de forma muy clara: «You’re in my way now / Don’t go, go where you don’t belong» («Ahora estás en mi camino / No vayas, no vayas donde no perteneces»). Por primera vez, la seguridad amorosa exhibida hasta entonces deja entrever una cierta inseguridad.

Purple pone el punto final a Girl So in Love y, al mismo tiempo, introduce las primeras fisuras en el relato romántico que había sostenido el álbum hasta ese momento. La fusión absoluta entre los amantes, presentada anteriormente como un ideal, comienza a revelar cierta axfisia. La necesidad de compartirlo todo termina diluyendo la propia identidad y desgastando la intensidad del sentimiento. «Melt with you till it all turns black / Melt with you till I just feel sad» («Me derrito contigo hasta que todo se vuelve negro / Me derrito contigo hasta que solo siento tristeza»), canta Olivia Rodrigo, expresando un agotamiento emocional. La canción funciona así como una advertencia: aquello que parecía eterno empieza a diluirse. No hay todavía una ruptura explícita, pero sí la intuición de que el amor, cuando se convierte en dependencia, puede transformar ese sentimiento.

En Begged, esas dudas se materializan. Aparece la tensión entre resistir o abandonar: «So, I’m patient, you’re learning, pretend it’s not hurting / They say it’s a virtue to not let good love slip away» («Soy paciente, estás aprendiendo, finjo que no me duele / Dicen que es una virtud no dejar que un buen amor se escape»). La canción se construye así sobre una pregunta central: ¿hasta qué punto merece la pena luchar por el amor antes de que se convierta en desgaste? La respuesta no es definitiva, pero sí sugiere un progresivo agotamiento. «So, I’m cool and forgiving, I’ll take what you’re giving» («Así que estoy tranquila y comprensiva, aceptaré lo que me das»). Con un acompañamiento de guitarra reducido y casi desnudo, el tema adquiere un tono de crudeza emocional que refleja el momento exacto en el que la relación comienza a percibirse como fallida.

La segunda parte del disco se abre con The Cure. Si en la primera mitad el amor funcionaba como una forma de sanación y refugio frente a las heridas vitales, aquí surge la duda sobre su verdadero alcance. La canción introduce la sospecha de que ese sentimiento, por intenso que sea, quizá no basta para sostenerlo todo ni para dar respuesta a los problemas que lo exceden. «I thought I found the antidote with you / But my head is full of poison and my heart is full of doubt» («Pensé que había encontrado el antídoto contigo / Pero mi cabeza está llena de veneno y mi corazón está lleno de dudas.

Olivia Rodrigo ha manifestado en numerosas ocasiones su admiración por The Cure y la influencia que su música ha ejercido en su obra, hasta el punto de invitar a su líder, Robert Smith, a compartir escenario con ella en el festival de Glastonbury en 2025. Esa relación artística cristaliza ahora en su primera colaboración conjunta, algo especialmente poco habitual en la trayectoria del músico inglés.

En What’s Wrong With Me se encienden todas las señales de alarma: la relación sentimental entra ya en un territorio de cuestionamiento explícito. «It’s getting harder every day / And I can’t seem to get around it / Head just keeps on pounding with the simple thought / What if this isn’t what I want?» («Cada día se vuelve más difícil / Y parece que no puedo escapar de esto / Una sola idea sigue resonando en mi cabeza / ¿Y si esto no es lo que quiero?»).

A nivel musical, el tema profundiza en una estética más oscura, con un ambiente etéreo que remite a los años ochenta pero filtrado por una producción contemporánea. En ese espacio sonoro intermedio, las voces de Rodrigo y Smith –tan distintas– encuentran un punto de equilibrio, generando una tensión que refuerza el carácter ambiguo de la canción sobre el el amor.

Less se presenta como una delicada balada construida únicamente desde el piano y la voz, sin necesidad de artificios adicionales. Esa desnudez sonora refuerza una melodía melancólica que sostiene un texto en el que ya se intuye el final de la relación. El amor aparece aquí como un exceso que desborda a los propios implicados: «If loving me means sayin’: Babe, I think this is the end / I guess / I wish, I wish, I wish you loved me less» («Si amarme significa decir: Cariño, creo que este es el final / Supongo / Desearía, desearía, desearía que me amaras menos»).

Tras ese punto de inflexión, Expectations introduce un giro de tono con un ritmo más vivo y una energía irónica que contrasta con la fragilidad anterior. La protagonista aparece aquí en una fase de reconstrucción emocional, en la que el fracaso se acepta como una derrota pero también como un aprendizaje. «Past mistakes are just new information / These days, I’ve got expectations» («Los errores del pasado son solo nueva información / Hoy en día, tengo expectativas»). Se desplaza el foco del dolor hacia una forma de madurez emocional modulando el romanticismo inicial.

 En esa misma línea de asimilación del pasado, el álbum se cierra con Cigarette Smoke, el tema más extenso y probablemente uno de los más maduros. Entre guitarras rasgadas y una orquestación ascendente, la canción construye un clima de desgarro contenido que desemboca en la toma de conciencia de los errores cometidos y de la soledad que queda tras la ruptura. «I thought that we played the perfect couple / Till you didn’t want the part / Some nights can be / So fucking lonely» («Pensé que interpretábamos a la pareja perfecta / Hasta que ya no quisiste el papel / Algunas noches pueden ser / Tan jodidamente solitarias»). El cierre no ofrece redención fácil, sino la aceptación de un final que, aunque doloroso, forma parte del proceso de maduración emocional que articula todo el disco.

Con el tándem creativo que forma junto a Dan Nigro, Olivia Rodrigo continúa consolidando su faceta como cantante y compositora, al tiempo que afianza una identidad artística cada vez más reconocible. Su obra se ha convertido en un diario emocional de las relaciones sentimentales de su generación, capaz de capturar con precisión sus inquietudes.

Sin embargo, su mayor logro quizá no resida únicamente en esa conexión generacional, sino en la capacidad de trascenderla: sus canciones no se limitan a dialogar con el público joven, sino que alcanzan una dimensión emocional más amplia, capaz de llegar a oyentes de distintas edades. Un frágil equilibrio que apela a sentimientos universales.

Escribe Luis Tormo